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Historia de la imagen, según Hockney

El pintor y el crítico Martin Gayford explican el desarrollo y el proceso creativo de la imagen entendida como unidad indivisible, sin distinguir entre el arte rupestre o una foto hecha con el teléfono móvil

Imaginen un búho. Plumaje pardo. Luna llena. El pájaro está mirándoles desde una rama con los ojos como platos. Incluso pueden oírle ulular. Pónganle el nivel de detalle que quieran. Eso es una imagen: poner en dos dimensiones lo que en la realidad está en tres. Puede ser algo tan concreto como un búho. Puede ser algo tan abstracto como la dignidad. Este simple ejercicio mental es el punto de partida que sirve al pintor David Hockney y al crítico de arte Martin Gayford para darle una entidad propia a la imagen.

Sin dividirla en subdisciplinas como pintura, cine o fotografía, ambos autores hacen en Una historia de las imágenes (Siruela) un repaso por los 17.000 años de imágenes que hemos alumbrado como especie humana. Desde las pinturas rupestres de Altamira a las películas de Disney. Explicar el proceso creativo de las imágenes desde el principio de los tiempos.

Caravaggio siempre estuvo ahí

Tres imágenes icónicas aparecen frente al lector. El explícito Judit y Holofernesde Caravaggio, la Mona Lisa de Da Vinci, y una foto en blanco y negro de la actriz Marlene DietrichA priori, no encontramos ninguna relación. En la primera imagen, un general es decapitado de la manera más sangrienta que se puedan imaginar; a su lado, la obra más famosa de Leonardo sonríe; el triunvirato lo cierra uno de los retratos más famosos del ángel azul alemán. Hockney y Gayford encuentran en tres imágenes de épocas tan distintas la similitud definitiva: la maestría en el uso de la luz. Según los autores, a Caravaggio le debemos todo y más en la iluminación pictórica. Maestro de los claroscuros, el pintor italiano pasó a la historia del arte como el pincel más diestro con los focos directos. Martin Gayford llega a afirmar que se trata del primer caso de «luz hollwoodiense», ya que Caravaggio conseguía «como los buenos fotógrafos, aprovechar la expresividad máxima que le podía brindar la luz». Hockney añade que el pintor italiano «solucionó la difícil tarea de iluminar el dramatismo». Narrativa en óleo sobre lienzo.

Los autores hacen hincapié en la figura del autor de La crucifixión de San Pedro, entre otras tantas, para señalarle como el mejor testigo de la tradición davinciana y el que la supo elevar a una potencia supina en la que la luz deja de ser un elemento de verosimilitud matemática y pasa a convertirse en un personaje más de la obra pictórica. Una manera de imprimirle carácter al cuadro.Caravaggio, afirma Hockney, «pasa de la piel iluminada a la oscura mediante una gradación de una increíble sutileza que aún no consigo comprender cómo consiguió».

La explicación, siempre según Gayford, viene dada por la influencia del arte europeo tradicional. «Los expertos olvidan a veces que, fuera del desarrollo artístico occidental, apenas hay sombras», escribe el crítico de arte, y continúa: «Inventada por los griegos o no, la sombra como elemento lumínico es un aspecto diferenciador de una importancia increíble».

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